Mein künstlerischer Werdegang begann nach meiner Ausbildung zum Stuckateur, in der ich eine tiefe Verbindung zur handwerklichen Arbeit entwickelte. In meiner frühen Praxis richtete ich meine kreative Aufmerksamkeit auf Ölfarbe und Leinwand. Die Motive waren von meiner Jugend und dem Austesten persönlicher Grenzen geprägt, wodurch ich mich intensiv mit der Fragilität von Erinnerung auseinandersetzte. Unter der Maxime „Was bleibt, ist die Erinnerung“ – dem einzigen bleibenden und zugleich vergänglichen Element – reflektierte ich eine sich ständig verändernde Welt, geprägt von wechselnden sozialen Umfeldern und dem dynamischen Wechselspiel aus Verlust und Gewinn enger Beziehungen, die meinen Alltag bestimmten.
In Hamburg führte mich der Mangel an künstlerischer Erfüllung bei der Arbeit mit Leinwänden zurück zu meinen handwerklichen Wurzeln. Die Arbeit in einer Gipswerkstatt und der inspirierende Austausch mit benachbarten Keramikern eröffneten mir eine neue künstlerische Dimension. Besonders die Glasurtests für Keramik, deren Farbvielfalt mich fesselte, brachten mich dazu, Tontafeln als Malgrund zu verwenden. Diese Begegnung mit den transformativen Prozessen des Materials bildet die Grundlage meiner aktuellen Werke, die um das Konzept des alchemistischen Gefäßes kreisen.
Das alchemistische Gefäß steht im Zentrum meiner künstlerischen Praxis – als Symbol für Transformation auf materieller wie spiritueller Ebene. Es verkörpert einen Raum, in dem äußere Einflüsse und innere Prozesse Materie und Geist in etwas Neues verwandeln. Meine Arbeiten erforschen diese Metamorphosen durch die experimentelle Herstellung eigener Glasuren. Hierfür verwende ich organische Substanzen wie körpereigene Salze, selbst gewonnene Asche und verschiedene Oxide. Die chemischen Reaktionen dieser Komponenten erzeugen unvorhersehbare Farben und Texturen, die ich als künstlerischen Ausdruck von Hingabe und Loslassen begreife.
Der Kontrollverlust über diesen Prozess bildet ein zentrales Element meines Schaffens. Anders als bei der herkömmlichen Farbmischung, bei der Gelb und Blau stets Grün ergeben, können chemische Transformationen während des Brennvorgangs beispielsweise dazu führen, dass Blau und Grün in ein unerwartetes Rosa übergehen. Diese Dynamik verkörpert die Essenz der Alchemie– die untrennbare Verbindung von physischer und spiritueller Metamorphose – da ich einen Teil
meines Selbst in Form von DNA hinzufüge, die maßgeblich zur Farbgebung und Haptik beiträgt.
Inspiriert haben mich die symbolistischen Werke von Künstlern des Fin de Siècle wie Odilon Redon, Gustav Klimt und Fernand Khnopff, die poetische und mystische Bildwelten erforschten. Gleichzeitig prägte mich das schlichte Betrachten von Strukturen, die ich während meiner handwerklichen Arbeit auf Baustellen entdeckte: raue Putzflächen, Wasserausblühungen, rostige Metallcontainer oder kräftige Moosflechten, die sich ihren Weg durch Bodenplatten bahnen. Ergänzend faszinieren mich die japanischen Philosophien des Kintsugi und Wabi-Sabi. Kintsugi, die Kunst, Zerbrochenes mit Gold zu reparieren, lehrt uns, Brüche als Chancen für Erneuerung zu sehen. Wabi-Sabi betont die Schönheit des Unvollkommenen und Vergänglichen – sichtbar in meiner Arbeit durch „Glasurfehler“, die als sichtbare Narben zum ästhetischen Mittelpunkt werden, als Zeichen von Resilienz und des Potenzials für einen Neuanfang.
Meine Werke befinden sich in einem kontinuierlichen Wandlungsprozess, bei dem jedes Brennen einen Perspektivwechsel inspiriert: Das Zerbrochene birgt die Möglichkeit der Transformation, und die Narben, die wir tragen, werden zu goldenen Linien unserer persönlichen Geschichte. Durch die Verbindung traditioneller Materialien mit experimentellen Techniken und spirituellen Symbolen suche ich nach neuen Formen des Ausdrucks – stets im Bewusstsein, dass Veränderung die einzige Konstante ist.
Artist statement
My artistic career began after my training as a plasterer, during which I developed a deep connection to craftsmanship. In my early practice, I focused my creative attention on oil paint and canvas. The motifs were influenced by my youth and the testing of personal boundaries, which led me to intensively explore the fragility of memory. Under the maxim “What remains is memory” – the only permanent and at the same time transient element – I reflected on a constantly changing world, characterized by changing social environments and the dynamic interplay of loss and gain of close relationships that determined my everyday life.
In Hamburg, the lack of artistic fulfillment in working with canvases led me back to my craft roots. Working in a plaster workshop and the inspiring exchange with neighboring ceramicists opened up a new artistic dimension for me. The glaze tests for ceramics in particular, whose variety of colors captivated me, led me to use clay panels as a painting surface. This encounter with the transformative processes of the material forms the basis of my current works, which revolve around the concept of the alchemical vessel.
The alchemical vessel is at the center of my artistic practice – as a symbol of transformation on both a material and spiritual level. It embodies a space in which external influences and internal processes transform matter and spirit into something new. My work explores these metamorphoses through the experimental production of my own glazes. For this I use organic substances such as the body’s own salts, self-produced ash and various oxides. The chemical reactions of these components create unpredictable colors and textures, which I understand as an artistic expression of devotion and letting go.
The loss of control over this process is a central element of my work. Unlike traditional color mixing, where yellow and blue always make green, chemical transformations during the firing process can cause blue and green to turn an unexpected pink, for example. This dynamic embodies the essence of alchemy – the inseparable connection of physical and spiritual metamorphosis – as I add a part of myself in the form of DNA.
of myself in the form of DNA, which contributes significantly to the color and feel.
I was inspired by the symbolist works of fin-de-siècle artists such as Odilon Redon, Gustav Klimt and Fernand Khnopff, who explored poetic and mystical imagery. At the same time, I was influenced by the simple observation of structures that I discovered during my manual work on building sites: rough plaster surfaces, water efflorescence, rusty metal containers or strong moss lichens that make their way through floor slabs. I am also fascinated by the Japanese philosophies of Kintsugi and Wabi-Sabi. Kintsugi, the art of repairing broken things with gold, teaches us to see breaks as opportunities for renewal. Wabi-Sabi emphasizes the beauty of the imperfect and transient – visible in my work through “glaze defects”, which become the aesthetic focus as visible scars, as a sign of resilience and the potential for a new beginning.
My works are in a continuous process of transformation, where each firing inspires a change of perspective: That which is broken holds the possibility of transformation, and the scars we bear become golden lines of our personal history. By combining traditional materials with experimental techniques and spiritual symbols, I search for new forms of expression – always aware that change is the only constant.
Merlin Luczynski 